时光都被打包进了这个小小的手提箱

转载自 人物

文｜瞿麦

编辑｜糖槭

图｜网络

海底一片静默。

2005年，英国艺术家Jason deCaires Taylor在加勒比格林纳达海峡的海面下安置了他的第一件雕塑作品《The Lost Correspondent》——一个坐在桌前打字的男子。在海水的侵蚀作用下，整座雕塑混杂着青色、红铜色的斑驳，如同自远古而来。

这件作品为海洋而生。Taylor是一名雕塑家，同时他还是水下自然学家、有着多年经验的潜水教练。在创作之初，他就采纳了一名当地海洋生物学家的建议——出于环保的考虑，雕塑最好不要用传统花岗岩作为主要材料。Taylor决定用酸碱中性的坚固水泥打造雕塑，以便于珊瑚虫在其间生长。

很快，一尊雕像变成了两尊，然后变成了26尊。现在在坎昆的海面之下，一共有超过500尊看起来「生机勃勃」的雕塑。这里也成为了全世界唯一需要潜水游览的博物馆。这并不是一件容易的事。艺术家曾在一场TED演讲上开玩笑，「当你立在海里，头顶上是100英尺高的起重机，还要试着将8吨重的东西放到海底时，你可能会想，当初为什么没去学水彩画呢？」

现在的坎昆水下雕塑博物馆中最为标志性的作品，是由26座人形雕塑围成的环状雕塑群。当游客们潜水到达海底，与这些真人大小的雕塑并肩时，能看见珊瑚遍布在雕塑的各个角落，也能目睹热带鱼类从自己的肩头游过。

雕塑们还在不断发生变化，而现在对它们进行改造的，是海洋。雕塑的身上布满了海藻、甲壳动物、珊瑚，有的时候，海星就紧紧贴着一张石刻面孔。而这一切令人震撼的景象，都不是Taylor在最初将雕塑置入海底时所能预想到的。

「随着时间流逝，我才意识到这件事的伟大之处，它充满了谦卑的情怀，从我们将雕像沉入水中的那一刻起，它们就不再属于我们，因为从下沉的那一刻开始，这些雕像，就归属了海洋。」Taylor说，「随着新的珊瑚礁形成，一个新的世界开始进化，那是一个不断带来惊喜的世界。也许这话有点陈词滥调，但人造之物，终究比不上大自然的鬼斧神工。」

在这间展厅里，光线昏暗，唯有矿石的色彩在其中熠熠生辉。这里是著名的休斯顿自然科学博物馆的矿石与珠宝展厅，展示着750种宝石和矿物标本。矿石展馆只收藏美丽而稀有的天然矿石，例如重达850磅（约385公斤）的巨型紫水晶。每一块矿石都被单独陈列在棕红色的木质展柜中，在灯光的烘托下闪耀光芒。没有经过人工雕饰，但这里的每一颗矿石，都被称为是「自然界的伦勃朗和毕加索」。

在矿石展馆的另一边，是宝石展馆。珠宝设计师们用匠心和双手对天然矿石进行二次加工，得到更加夺目、也更具价值的珠宝。目前，该博物馆刚刚结束长达2个多月的闭馆，重新开放了公众的预约和参观。

矿石的缤纷色彩和独特质地，也给其他行业的设计师带来独特的灵感。全新雷克萨斯纯电动UX 300e的车身颜色设计中，有两款的设计灵感就来自于天然矿石：以玛瑙的矿物花纹为灵感基调的烈焰玛瑙色，和加入了云母颗粒的黛青云母色。为了将色彩设计师研发的专属颜色还原于车身漆面上，雷克萨斯的工程师们运用新开发的多层喷涂工艺，令色彩设计师的灵感最终成为附着于车身的自然之光。

世界上最著名的梁龙骨架，已经退休三年了。

在2017年之前，位于博物馆主厅穹顶之下的巨型梁龙骨架，是伦敦自然历史博物馆最受瞩目的展品，也是《博物馆奇妙夜》最有名的取景地。人们亲切地称呼这个大恐龙为Dippy，近百年，世界各地的人们慕名而来——毫无疑问，这是最符合该博物馆名称的一件展品，也满足了人们对于博物馆的基本想象。

从1905年5月12日，人们为Dippy举办了盛大揭幕仪式的那天起，它就成了明星一般的存在。最初，Dippy得以漂洋过海从美国来到英国，正是由于爱德华七世国王认为博物馆里需要这样一头典型的恐龙。此后，它开始频繁出现在电视、报纸和期刊杂志上，被当时的媒体报道为「有史以来最伟大的动物」，甚至启发了迪士尼以Dippy为原型，创作了电影《我们的恐龙不见了》。

事实上，声名远播的Dippy并非化石，而是由石膏浇筑倒模而成的复制品，今天的人们早就已经接纳了这一真相。但在更早期的年代里，游客们满怀着对于这种远古生物的崇敬（以及某种恶趣味的猎奇），时常有人将Dippy的骨节取下，悄悄带回家留作纪念。这让博物馆不得不将包含70多节骨头的恐龙尾巴，拆开放在盒子里保存。

到了1993年，博物馆决定用新型材料为Dippy打造一根更轻便的新尾巴——可以悬在空中，而不是拖在地面上，这是因为科学家们研究发现，历史上的梁龙在行走时，尾巴其实是悬空的。在等待安装新尾巴的那段日子里，工作人员给Dippy安了一条纸质的尾巴作为替代。

2015年初，伦敦自然历史博物馆对外宣布，这副几乎占据了整座博物馆大厅的梁龙骨架即将退休，取代它的将是蓝鲸Hope。场馆官方宣布的替代理由是，Dippy只是石膏模型，无法代表该馆展藏珍品的精神，因此，他们决定用真正的蓝鲸骨架作为替换。

这则消息曾经在网上引发了一场「保卫Dippy」的运动，但却未能阻止Dippy的退休和蓝鲸Hope的上岗。工作人员花了3周时间拆除Dippy的292根骨头——它们由灰泥和树脂制成。此后，它被分装在13个定制板条箱里，然后被送去了加拿大，开始了为期三周的修复工作——主要是为了安装新的前爪，在此之前，人们误以为是前爪的部位，其实是Dippy的后脚。

从2018年2月起，Dippy开始了它的退休旅行——到英国各地的博物馆进行巡回展出。一个麻烦在于，每到一处，人们都得花上好几天进行组装。在展览的第一站多塞特郡博物馆，工作人员花了整整8天才把它拼好。

按照原本的旅行计划，Dippy的最后一站将在诺维奇大教堂，但新冠病毒的全国流行打乱了它的节奏，诺维奇大教堂暂停对外开放。游客们预购的门票被依次退款，Dippy的旅行也不得不因此暂停——在营业了一个多世纪后，这可能是Dippy难得的一次休假了。

在日本学术界，柳宗悦赫赫有名。他被称为「日本民艺之父」，既是民艺馆的首任馆长，也是「民艺运动」的发起人。不过对于普通人来说，也许人们更熟悉的是另外一个相似的名字，柳宗理——柳宗悦的儿子，也是同名网红铸铁锅的发明者和设计师。

1916年，柳宗悦开始在日本各地寻访传统手工艺。这趟旅行始于一尊木头佛像。江户时代，一位法号叫木喰的云游和尚发愿走遍日本的灵山圣地，途中以雕刻佛像打发时间，并将佛像留在当地。一篇名为《柳宗悦与柳宗理的民艺与设计》的文章曾经这样描绘木像：「都有着同样的浓眉毛和纯稚微笑，那是一种劳作后的农人踏进家门，用衣角擦着额上的汗，面对贤淑的妻子和满地乱爬的小孩子，脸上会出现的笑。」

木喰和尚在历史上并不出名，长久以来，他雕刻的木头佛像也被当成拙劣的半成品，散落各地，不受重视。直到有一天，柳宗悦见到这尊木佛，立刻被这种拙朴原始的雕刻手法打动了，从此决定搜集日本各地的民间工艺品。

「我是想寻找正确而美丽的东西，这样的东西在哪里？有多少？被做成什么样子呢？」

20年后，柳宗悦亲自搜集的超过1.7万件展品，成为了民艺馆的第一批展品。他创造了「民艺」一词，以用来定义由「民众工艺」创作出来的此类物品。最初，他将民艺译为「folk art」，后来由于厌恶「art」的语感而自造了英文词「folk-craft」。这可能是因为他坚信审美价值和实用价值缺一不可。

最开始，柳宗悦搜罗来的各类物品堆积在自己家中，直到放不下了，才挪去专门的展馆。那时柳宗理快20岁了，他遗传了父亲的审美直觉，但正处在年少叛逆的时期，无法理解父亲的世界，而是沉浸于毕加索和保罗·克利的现代主义风格。父子两人看似歧路，但其实一脉相承。在柳宗悦逝世十五年之后，他的儿子柳宗理，一个曾经被柳宗悦嗤之以鼻的现代派艺术实践者和现代设计师，成为了民艺馆的第三任馆长。柳宗理说，他的父亲大概也想不到会有这么一天。

民艺馆位于东京近郊，这里保留了大阪世博会的一部分参展设施，而世博会当时的停车场被改造为运动及休闲设施。目前，由于疫情，民艺馆正处于闭馆状态。

2014年，雷克萨斯开始与旭硝子（Asahi Glass Company)玻璃公司合作，探索在汽车内饰中运用「切子」玻璃作为装饰。这种融合了审美与实用的设计理念，与柳宗悦创办民艺馆的初衷，不谋而合——手工艺品绝不应该只流落民间，其美学意义也值得被重视；而那些博物馆内的藏品，也将在新的载体上重获生机。

「切子」是一种使用金刚砂在玻璃表面进行精巧切割雕刻的传统工艺，雷克萨斯将这一源自江户时代、迄今已有百余年历史的匠艺，运用到旗舰车型LS的设计中，创造出了极富艺术气息的「凌光切子」内室饰板。相比于真皮和实木，玻璃是一种更为平凡的材质，但经过复杂的手工雕琢，让「凌光切子」拥有了如同水晶般璀璨的光芒，呈现凝聚时光之美。

除此之外，雷克萨斯从传统折纸艺术中汲取灵感，创造的具有独特立体纹理的「鹤羽折布」，以及运用传统薄木切片工艺创造的天然艺木纹理饰板，同样也将美观与实用结合得恰到好处。

 雷克萨斯LS凌光切子衬鹤羽折布内室饰板 

小津和纸博物馆位于东京飞鸟山公园里，展示了各类和纸，以及以和纸进行创作的书法和美术作品。在展馆的3楼，游客可以体验「手漉和纸技术」，感受源自江户时代的匠人精髓。

大德寺是京都两大枯山水庭院的代表寺庙之一（另一处是龙安寺）。在游人如织的京都，这可能是为数不多的僻静所在。大德寺有众多分院，收藏着多件日本国宝，以及茶室、庭院、障壁画等许多史迹和文物，堪称是一座大型艺术博物馆。其中，瑞峰院中的枯山水景观「独坐庭」最为人称道。相传，这处枯山水景观是依照蓬莱山的传说来建造的。东侧的白沙象征海浪，中间是石头和苔藓组成的半岛，西侧是石板桥和桥下象征流水的白沙。

「独坐庭」的设计师是重森三玲，一位「自学成才的大师」。在他原本的人生轨迹里，并不包含成为园艺设计师这一项。他本来立志成为一名画家，直到21岁那年，他从冈山搬到东京，准备全力发展绘画事业时，发现这里聚集了全国各地的美术人才，自己在美术上的才华，将会被碾压到毫无出头之日。

沮丧之余，他开始对全日本各地的庭院和花园进行探访。这其实是源于他从小对茶道和花道的爱好，而他在就学期间阅读的哲学、佛学和世界美术史，也为此助力不少。在调研了全日本350座庭院之后，43岁那年，也即1939年，重森三玲完成了巨著《日本庭院图鉴》。这本书如今依然有售，重达70斤。

除了枯山水之外，大德寺聚光院还藏有障壁画《花鸟图》，由日本历史上著名的屏风画师狩野永德创作，被认定为日本国宝。

全新雷克萨斯LM的银水墨饰板，灵感正是源自于此，以尽可能少的色彩表达出更多意境。为了将这种东方美学中的山水写意引入座舱，设计团队也颇费心思，他们尝试以松杉木纹为基础，并运用「浮造」、「烧板」、「春庆涂」等传统木工技艺，让木纹有如数百年前水墨画的笔触一般，翩然写意，尽显东方艺韵。

在完成了几部成名的作品、并获得了诺贝尔文学奖之后，2011年，土耳其作家帕慕克发现自己写不动了。他花了5个月的时间，在自己家阳台上拍了8500多张照片，并为这些照片举办了一次展览。

这不是帕慕克第一次给自己的作品盖博物馆。位于伊斯坦布尔的纯真博物馆，正是这位作家同名作品的可视化。帕慕克本人对这部小说非常满意，称之为「我最柔情的小说，是对众生显示出最大耐心与敬意的一部」。

参观者们不必另外购买门票。全世界所有版本的《纯真博物馆》中都印有一张「门票」，就是第548页中的一个空白小框，那是仅够盖一枚蝴蝶章的地方。

在小说和博物馆开始处，都有这样的一句话：「那是我生命中最快乐的时刻，然而那时的我并不知道」。在小说里，男主角凯末尔对女主角芙颂感情炽热到不讲理的地步，「在将近3000个日子里，仅仅是为了看看这个已婚的女孩，凯末尔造访芙颂的家1593次。他悄悄地收集关于她的一切：香水瓶、胸针、耳坠、发卡……还有4213个烟头。」而当这一切被具象化成一件件展品（例如钉着4213个烟头的墙壁），遥远的故事变成了眼前触手可及的真实物品时，读者和参观者在那个瞬间，都愿意相信这个故事曾经真实发生过。

写小说和建造博物馆并不是帕慕克的第一次「出逃」。从小开始，这位天生忧郁的作家就会在感到不开心的时候，努力想象世界上还有另一个自己，住在另一栋房子里，过着无比幸福快乐的生活。然后他会让自己相信其实自己就是那个幸福的人，从而忘掉种种不快乐。

帕慕克出生于伊斯坦布尔的富人家庭，他的「不快乐」主要是来源于大家族中的种种争斗：父亲与母亲的争吵，自己和哥哥的竞争。2006年，在诺贝尔文学奖的获奖演讲中，帕慕克说明了他写作的理由：「生每个人的气。」所以，他要在小说中打造在他看来更加迷人的世界。

疫情期间，帕慕克正处于小说《瘟疫之夜》的写作阶段。对于作家来说，这是一次沉浸式的写作体验。「如果我们希望看到瘟疫过后一个更好的世界，就必须拥抱和滋养当下的遭遇为我们带来的谦卑与团结。」

克罗地亚的萨格勒布博物馆，是世界上第一家失恋博物馆，拥有1000多件来自世界各地失恋者捐赠的展品。创办人格鲁比希奇说，从这些来自世界各地的展品中，「可以看出尽管存在文化、习俗和宗教等方面的差异，但人们珍视爱情、追求幸福的心是相通的。」尽管展品是情侣们分手后的遗存，但却留下了彼此生命的印迹，因此，「我们也可以称它为爱情博物馆，只是表达的方式不同而已」。

相比心碎的过往，一些展品捐赠者的自嘲和戏谑，常常会给游客们留下更深的印象。

一只义肢，来自一名受伤的士兵。「1992年，在萨格勒布医院，我遇到一位年轻漂亮的义工，坠入爱河，然而，义肢比我们的爱情要结实多了，毕竟是更坚韧的材料做成的。」

一条未开封的糖果丁字裤，来自瑞士的一位年轻女士。「收到的时候，我笑了，但没把它从盒子里拿出来过。他从未给我买过花，因为他觉得只有无聊的人们才送花。我收到的东西包括香肠和新的自行车配件，但我并不介意，因为我爱他。但是四年后，事实证明，他和他送的礼物一样，廉价且低劣。」

一只小手提箱，来自塞尔维亚的一位单身男子。「两年半的时光都被打包进了这个小小的手提箱……我早就知道，这个小箱子装得下。」

一缕头发，来自马其顿的一颗秃脑袋。「虽然这段感情只维持了很短的时间，但我在精神上却承受了很大的痛苦，甚至某一个瞬间，我完全疯了，我剪掉了自己所有的头发。后来很长一段时间，没有头发，也没有人来爱我……我很开心。」

这是一个长期免费开放的可以给未来寄信的网站，只需要填写电子邮箱，设置好发信时间，就能够给未来的自己或他人写一封信。

如果你在写信过程中勾选了公开的选项，那么就意味着这封信将被公开展示。这些公开信组成了页面上总计3000多页的线上邮件博物馆，留下了无数人与人之间的故事。

有人写给前任恋人，「早晚有一天咱们都会被爸妈啰嗦，等到那时候还在单身的话，就来找我吧。」也有人写给暗恋的对象，「我觉得你一点都不符合我选男朋友的标准，可是莫名的还是对你有一点心动，真搞不懂这是为什么。」

有人写给已逝的亲人，「到那个时候，我们就可以重新相见了。」也有人写给尚未降临的孩子，「希望到时候的你比现在的我要快乐。」

在这间线上博物馆里，更多的人，写信给未来的自己。

根据该网站的公开信统计，疫情期间，前来写信的人更多了。多数人写给了未来的自己，一些人会询问疫情何时能结束，还有一些人会问未来的自己，是否在这期间得到了锻炼和提升。

「我不知道我该做什么，感觉就是过一天算一天，如果那时候的你依旧一事无成，那就真的太失败了。」

「我总以为，自己有足够多的时间去完成想要做的事。写完一本小说，学会一门乐器，掌握一门外语……直到我听完医生的诊断结果，原来我离盲人已经这么近了。不知道还剩多少时间，如果可以的话请这一天可以尽量晚些到来，起码让我做完一件事。」

……

一位写信者只写下了这样一句话：「也不清楚这封信你是否能看见，因为各种可能各种情况都会发生。是呢，人生是多么的不确定呀。」——也许这封信永远不会被既定的收件人收到，也许有一天，信件的主人早就忘了自己曾经还写过这样的信。但在这样一间博物馆里，一封信至少会被一个人看见，让一个人记住。这可能是这间博物馆最柔情的所在了。

博尔盖塞美术馆以收藏大量的贝尼尼雕塑而闻名。

生活在17世纪的贝尼尼在中文世界的知名度不如米开朗基罗，这很可能是因为通识教育中只介绍文艺复兴，而对在此之后的巴洛克时代鲜有提及。直到今天，贝尼尼仍被后世的评论家们定义为「巴洛克时代的米开朗基罗」、「雕塑界的莎士比亚」，而当人们提到贝尼尼所创作的《大卫》时，还会特意强调一句「不是佛罗伦萨的那个」。

贝尼尼本人或许并不介意和那位太过耀眼的前辈作比较，他甚至自诩自己的作品是「将米开朗基罗的造型风格和提香的绘画风格结合为本体」。事实上，与米开朗基罗苦难的一生比起来，贝尼尼活得入世多了，也顺利多了。他从小跟着做雕刻师的父亲学艺，才华早早外露。25岁就进入了罗马教廷，受教皇的欣赏与恩宠，也被当时的人们夸赞，「贝尼尼为罗马而建筑，罗马为贝尼尼而扬名。」

唯一的一次失败经历，是在他67岁那年，受路易十四的邀请，前去设计卢浮宫。最终，他的设计方案没有被采纳，他因此而伤感地说，「在巴黎，我有一个大敌，很大的敌人，这就是在那里形成的对我的曲解。」以后世的眼光看来，所谓的「曲解」仅仅是路易十四对于巴洛克风格的不欣赏而已。

在雕塑家之外，贝尼尼的身份还有画家、剧作家和建筑家。有记载写道：「上演一出大戏，其中布景是他画的，雕像是他刻的，机械是他发明的，音乐是他谱曲的，剧本是他写的，甚至连剧院也是他建造的。」

那是天才们身兼多职的年代。有评论家这样评价：「经古希腊、古罗马直至米开朗基罗，在人们一直以为笼罩在西方雕塑史上的意大利光环即将达到顶峰时，贝尼尼又将这顶峰加以持续和巩固，直到今天后人仍无法超越。这使他在当时、在今天都是雕塑史上的异数。」

贝尼尼对于雕塑史的改变，也是米开朗基罗时代所无法想象的。他被认定为是「第一个用雕塑来展现柔软形态的人」，把动态凝固在了雕塑中，让坚硬的大理石看起来具有流动的质感，也将人世的情欲糅进了神话题材里。

《被掳掠的普洛塞庇娜》正是这种动与静、坚硬与柔软、神性与人性完美融合的代表作品。普洛塞庇娜脱胎于希腊神话中的珀耳塞福涅（冥后）。相传，某天珀耳塞福涅正和其他仙女一起采花，冥王哈德斯被她的美貌吸引，从地缝中升出，将她夺走娶为妻子。贝尼尼的雕塑作品，凝固了「抢来」的这一瞬间，也用大理石表现出了惊人的动态效果：凝脂一般的皮肤质地，飞舞的头发，女孩的眼泪，以及普洛塞庇娜被冥王环住的腰部，被贝尼尼之子、传记作家多梅尼科评价为「温柔与残酷的惊人对比」。

正如雕塑家为坚硬的石材赋予生命力一样，雷克萨斯也将柔美与硬朗兼·融的独特审美融入旗下中大型豪华轿车ES的车身设计中：外观设计呈现渐进式的车身折线，锋利线条轻轻划过车身表面，然后渐渐消失，融入柔和形面。利用折线与曲面，ES刻画出近乎于完美的光影表达，明暗之间，勾勒出凹凸有致的立体雕塑感，同时也赋予这台金属打造的汽车更鲜活的生命力，使之一样可以传递温度与情感。

《富春山居图》是元代画家黄公望晚年创作的纸本水墨画，中国十大传世名画之一。黄公望为师弟郑樗（字「无用」）所绘，几经易手，并因「焚画殉葬」而身首两段。前半卷《剩山图》，现收藏于浙江省博物馆，后半卷《无用师卷》，现藏于台北故宫博物院。

被列为「元季四大家」之一的黄公望，在四人中最年长，经历也最为离奇。年少成为孤儿，然后被一位90岁而没有后嗣的黄姓老人收养。根据记载，他天资聪颖，可被称为神童，「天下之事，无所不知，下至薄技小艺，无所不能，长词短曲，落笔即成。」由于才华过人，被提拔到京城的尚书省，在监察御史院担任书吏，又因为与权贵不合，获罪多年。

中年的时候，他靠卖卜测字为生，据说直到晚年才开始学画。《富春山居图》的创作，始于至正七年（1347年），据说历时七年，也就是黄公望去世前才完成。

2011年，两岸的《富春山居图》在中国台北合璧展出，这也是两岸所藏的《富春山居图》分开360余年后首次合璧。

东方人所钟爱的「余韵」、「留白」、「遐想感」，在《富春山居图》中有着淋漓尽致的展现，这种美学风格也正越来越多地体现在雷克萨斯的设计中。仅观察雷克萨斯车型的设计图，就可以看出与欧洲车的不同，雷克萨斯的设计师大量采用「连贯」、「省略」等技巧，常常两股线条脉络交叠浮现，这种感觉上的差别就像是英式花园和苏州园林的不同。而走进全新雷克萨斯LM的内室，不禁赞叹于那既开阔又包容的空间布局，适当的留白搭配动态流转的银水墨饰板，俨然营造了一个意蕴悠远的山水世界。

这是世界四大博物馆之一，拥有超过800万件展品，由于空间限制，公开展出的展品仅是其中的1%。

在大英博物馆的东方艺术文物馆，收藏有来自中国、日本、印度以及其他东南亚国家的文物十多万件。其中，中国陈列室占据了好几个大厅，总数多达2.3万件，其中就包含了《女史箴图》在内的诸多著名藏品。大英博物馆官方称，古代中国藏品与古希腊、古埃及藏品一样，是大英博物馆收藏的最珍贵的人类文化遗产。

文物是连接过去与当下的纽带，除了古代文物以外，收集当代文物对于博物馆来说同样极为重要。近年来，大英博物馆收藏了许多来自世界各地的现代作品，这其中就包括了由中国苏绣大师梁雪芳创作的虚实乱针绣作品《荷韵》。

《荷韵》取景于太湖边的一片冬荷，梁雪芳说：「很多绣娘都喜欢绣夏天的荷花，但是我冬天在太湖边写生时，注意到残莲别有一种意境。枯萎凋零的荷叶就像是一个个符号，代表着新生，孕育着生命。」

对自然生命的感悟，是梁雪芳刺绣作品中的一个重要主题。比如，在另外一件名为《禅韵》的长幅刺绣作品中，梁雪芳将当代艺术元素与传统苏绣相结合，以极简主义展现荷花的生命周期，引导人们思考自然和生命规律。梁雪芳称，「刺绣本身是生命的延续，作品是我，我是作品，这就是生命的意义。」

梁雪芳对于刺绣和生命意义的思考打动了雷克萨斯。自2016年起，雷克萨斯连续四年举办“匠心展”，其中就有以梁雪芳为代表的匠人、艺术家、设计师以及文化学者，共同探寻新时代的匠心精神，以及匠心在不同领域中的独特意义。

而梁雪芳的一席话，更是对于东方匠人匠心的点睛之说：「于我而言，40年前做刺绣是家教、妇德的熏陶；30年前做刺绣是生计工作的需要；20年前做刺绣是工艺技术的精进与修炼；10年前做刺绣是观念转变、表情达意的媒介与载体；今天做刺绣是生活，生命，呼吸吐纳，回归自然的修行。」

一直以来，雷克萨斯始终以人为原点，关注人与物之间的情感联结，将传统匠艺与东方美学以不落窠臼的创新演绎，融入到产品设计之中，同时以雅致入微的匠心细节和待人有情的品牌态度，为用户带来物质与精神层面的非凡享受，让用户在喧嚣繁华的都市中，获得悠然惬意的心安之境。