万字对话《雄狮少年》导演孙海鹏：一个现实向的故事
从一开始，《雄狮少年》的导演孙海鹏就想做一个“现实主义”的故事，“我觉得如果没有现实主义的故事，中国动画电影似乎就少了一块，动画电影也可以讲一个现实的故事。”
在孙海鹏看来，过去的十年，中国生产了太多的神话题材，他想做点不一样的。
《雄狮少年》在正式上映前进行了范围不小的点映，现场观众问为什么没有粤语版，此前，国、粤两个版本的发行计划没有推进下去，因为从现实情况看，监制张苗觉得即便是现在的广东，也没有完全单一的粤语环境。随着人口流动，在广东街上听到的是广东话、普通话，和广东普通话（广普）。当时他认为，能做好一个普通话版本，比做两个都不完美的配音版本要好得多。
然而，市场的好评和观众的呼声最后还是让团队意识到了粤语版的重要性，张苗也想让《雄狮少年》成为一匹“千里马”，可以有更长的时间和观众见面。于是，1 月 5 日，《雄狮少年》宣布密钥延期，将延长上映至 2022 年 2 月 17 日，横跨春节档，本次延期版本包括了粤语版。
新年后动画片的另一观看主力——学生也可以走进电影院。《雄狮少年》的团队制作因此用了最快的速度，完成了粤语版的制作，在元旦和观众见面，这距离该片正式上映日期只有 13 天。
从《大圣归来》到《哪吒之魔童降世》，再到《青蛇》、《新神榜：哪吒重生》和《姜子牙》，似乎神话题材成为了中国动画唯一的题材来源。而《雄狮少年》选择了一条不一样的路：这是一个现实向的故事，主角阿娟是一个生活在广东的留守儿童，父母都在广州打工，留在家乡的阿娟因为身形瘦小而遭到霸凌，多种机缘下他决定开始舞狮。
在一些观众看来，阿娟和两位伙伴舞狮的动力是不足的。孙海鹏没有否认这一点，但他觉得和大多数少年一样，主角们也是很迷茫的，他们选择舞狮的原因可能没有那么复杂，可能就是要找点事情做，给自己找个借口，至于为了心爱的女孩，和学了舞狮就可以去广州看父母，可能都不是真实的原因。
监制张苗说，孙海鹏就是戴上眼镜的阿娟。孙海鹏也拿自己跟阿娟对比着举例子，用自己走上动画这条路，和阿娟开始舞狮相对比。他觉得自己和故事里的阿娟，最开始似乎都没有想明白。
“阿娟和我小时候有点像，有时候想去干这个，有时候想去干那个，但是也没有坚持下来。”孙海鹏最早学的是美术，单纯是因为找不到工作，就去学学软件，当时想的也不是要做动画，只是想做做建筑效果图谋生。但慢慢地他开始觉得动画挺有意思的，就走上了这条路。
在 21 世纪的第一个十年，中国电影市场上的类型片逐渐成长，甚至成为了票房的有力争夺者，动画片不再只是儿童的专属，越来越多的主流院线观众开始有了观看动画电影的习惯。在十年间，国产动画电影也创造了不少票房奇迹，2020 年 10 月上映的《姜子牙》和 2019 年 7 月上映的《哪吒之魔童降世》分别拿到了 16.02 亿和 50.35 亿，而后者也成为全球单一市场票房最高的动画电影，也是全球非美国好莱坞制作的票房最高的动画电影。
监制张苗说自己只能预测到未来两年内市场的走向，而在当时的情况下，片方也无法承受五年完成一个动画项目，最终的制作周期被定在两年。孙海鹏想了想，答应了下来。定下舞狮这个题材后，相对之前的动画电影，他觉得没有那么多玄幻的大特效，但是又有扎实的情感基础，这不再是个不可能完成的任务。
因为制作周期早早定下，孙海鹏修改了很多工作流程，比如他选择了把影片中的所有元素一起渲染，而不是像惯用的方式一样分层渲染，这样大大节省了制作周期。
孙海鹏和团队把更多的时间用来去做田野调查，前前后后加起来有一年的时间。他把原本是技术宅的团队成员们，都赶出去做调查，把村子里的植物都采集回来，自己尝试对其进行分类，再呈现在片中。孙海鹏说，下个项目他会做得更极致，邀请专业的植物学家来做这件事。
《雄狮少年》在上映前进行了规模不小的点映，收获了高口碑，甚至拿到了一向苛刻的豆瓣 8.3 分的高分，最终登顶 2021 年评分最高华语电影。但和票房最终破十亿的《大圣归来》和《哪吒：魔童降世》相比，《雄狮少年》票房不尽如人意，目前累计票房 2.17 亿。
孙海鹏一开始没报什么太大的希望，反倒是觉得这片子不赔钱就行，随着口碑的走高，他开始期待票房能有更出色的表现，但最终没有创造奇迹，“这个感觉很像坐过山车”，孙海鹏说。
而经历了《雄狮少年》后，一向习惯于寻找内部原因的孙海鹏，变得更敬畏市场了，但他选择向前看，满脑子都想着怎么能把下部片子做好。
《WSJ.》：《雄狮少年》在技术上相较之前的国产电影有很多进步，普通观众也可以体察出这一点，包括精细程度等。在技术上，《雄狮少年》里做出了哪些突破和尝试？技术是你想要在《雄狮少年》里主要突破的吗？
孙海鹏 ：当然，技术一定是我们考量的一个重点。我本身也是做技术出身的，做了二十多年，可以说是一个技术宅。其实每部片子我都希望我们团队能在技术上面做出一些进步来。这次《雄狮少年》里，其实就是因为我们在技术上做了一定的提升，通过修改颜色空间让阳光下的景物呈现出了更好的效果。
一开始我们采用的是一个比较老的颜色空间，叫 sRGB（标准红绿蓝色彩空间）。这种颜色空间需要通过大量的后期处理，才能够达到接近我们想象中阳光的光照效果。但是在做样片的时候，我们就发现在这个颜色空间下完成的阳光下的光线反应，怎么都达不到一个很好的效果。
后来我们的渲染总监非常坚决地说要换掉这个颜色空间，这对于我们一家技术公司来说其实是一个很大的挑战。它相当于改变了我们整个渲染的思路和管理方式，渲染流程要整个颠覆掉。
我们就把 sRGB 换成了他建议的 ACES（Academy Color Encoding Specification）颜色空间，但当时其实片子已经要开始做了。但是他坚持要换，我们也合作了这么多年，他铁定要做的事情，一定是有谱的。
渲染总监大概花了三四个月的时间，重新梳理了整个渲染流程，基于这个 ACES 的色彩管理空间做了一个流程。在这个流程下，就能够渲染出片中呈现出的那种阳光效果，它的光照的反应是非常真实的，也更接近于我们人眼中的真实。在这种颜色空间下，光线下景物呈现出来的颜色变化，是非常接近我们人眼体验的。
在渲染上，我们也做了很多的改变。我们用了一个特别暴力的办法：把我们镜头里所有的元素，包括背景、雾气、特效、人物、毛发，一整个渲染出来。这也跟我们常规的思路不一样，常规的思路是分层渲染，最后再靠合成师把它们合成起来。
但这样的技术路径要靠大量的合成师去合成，对于两年的制作周期来说，这个进度是我们无法接受的。我们就采用了完全相当于实拍效果的方式，把所有的元素放在一起渲。虽然说渲染的时间会非常长，但会节约大量的人力，而最后呈现出来的效果，也会比合成出来的效果要更接近于实拍的效果。
这就是为什么我们看《雄狮少年》的时候感觉很真实，因为它所有的反应全是真实的，包括背景里的虚焦和光芒，全都是通过物理渲染给渲染出来的，而不是后期做的。我在这个片子里做出最大，也是最大胆的尝试，就是我们在渲染这一块做了很多的提升。
《WSJ.》：表现舞狮的真人电影其实非常多，你为什么还想拍这个题材？如果《雄狮少年》其实是一个真人电影的话，会跟现在有什么区别？由动画电影表现出来的真实，和由真人电影表现出来的真实有什么区别？
孙海鹏 ：在制作的过程中，我也没有想明白这个事情。我当时只是单纯地觉得舞狮这个题材适合动画做，因为它有动作戏，通过动画来做是可以更夸张的。但这么一个写实的故事，我们用动画来做，它的意义在哪儿？这也是最初期的时候，同事反复问我的一个问题。最开始确实我也答不上来。我想的是自己是做动画的，我喜欢这个故事，那我当然要用动画来做。
但是做到一半儿，尤其到快要结束的时候，我就慢慢明白了一个道理：用动画去做现实题材是有意义的，而且是有优势的。
一个优势就是说，我们可以非常巧妙地在我们的电影里加上一些风格化的东西。而这种风格虽然不是写实的，但是它能够让我们的画面更接近于观众心目中的写实。比如我们对村子里面的房子做了风格化的处理，让墙面变成歪的。但其实观众并不会觉得这不写实，反而会觉得：这好像一个村庄，这个好真实，但其实它是不真实的。
这就是动画电影的优势：我们有可能通过变形和处理，做出一个更接近于观众心理中的真实效果。而另外一点，我们村子里面的房子是歪的，但是城市里的房子却正常的，是横平竖直的。通过这个方法，我们可以加强城市和乡村的对比，这个是超过实拍片的。
另外， 用动画去处理一个写实故事的时候，我们偶尔是可以做出一个极其浪漫的效果来的。在《雄狮少年》中大片出现的木棉花林，在现实中是不大会出现的，但在《雄狮少年》中，我们在山坡上种满了木棉花。如果实拍的话，如果突然出现这么一个超现实的场景，它会有一点假假的。但是在我们的电影里面，其实观众很好接受。
我们也对舞狮比赛的场地进行了浪漫化处理，高桩是从水里面直接怼出来的。如果是实拍片会让人觉得有点效果出戏，但动画片就很自然，这也是一个优势。这是我后来做了一半想明白的，实拍片会需要一些处理才能让观众觉得是自然的，但是动画就没有这个顾虑。
《WSJ.》：你在广州生活了很多年，但又是湖北人，楚文化和岭南文化其实有完全不同的文化样貌。你为此做了一年多的田野，你怎么去克服自己的身份和位置？这个过程是不是非常困难？
孙海鹏 ：我觉得这对于一个创作者来说是一件正常的事情。一方面，我在广东生活了这么久，慢慢融入到广东文化里面。再一个，不管我做什么片子、发生地点在哪，我觉得都得把这种地域特色做出来。因为只有你把地域特色做出来，才能有烟火气，否则的话，它就是浮在空中的。你看上去好像是中国，但是具体在哪儿？不知道。
这意味着什么呢？意味着创作者不够深入，没有深入地去了解一个地域的特点，变得太符号化，不够具体，我认为这是一个问题。《心灵奇旅》做纽约的街区就很成功，我没有在纽约生活过一天，但是它的画面依然能够打动我。它把纽约的那种感觉给做到位了，它不是一个非常不具体的、符号化的美国。
也许我下个片子会拍东北，我的理念就是不管拍哪，我首先会了解这是什么地方，做大量的工作，去了解当地植被和民俗。我一定要把属于这个地方的味道做出来，这是必须要做的事情。不管有多难或者我对这个地方有多不熟悉，作为一个合格的动画创作者，这是必须要做的事情。
其实虽然我不是一个地道的广东人，但是我也很喜欢这种烟火气。我自己本身也很喜欢去钻小巷子，在小镇上出生、长大的我对城市周边的乡村，尤其是城市里面的小巷子特别喜欢。
而除了我之外，《雄狮少年》其他的主创基本上都是广东人，我们的美术总监就是一个地道的潮汕人，是汕头人。《雄狮少年》的室内景，阿娟跟爷爷吃饭的场景，以及阿娟爸爸躺着的卧室，就是照着他小时候那种感觉来画的。
我们也要做大量的采风，我们技术人员都是很宅的，但是我都把他们赶出去，天天在外面跑。让他们去采风，去了解建筑和民俗的细节，要了解得非常清楚，然后再回来做。所以其实没有什么，就是下苦功夫，用心感受，同时也要非常严谨地去调查。
我们就像植物学家一样，把村子的花采回来做分类。因为制作周期的问题，有点仓促，我没有把这个过程做得那么科学。我们是靠自己去做分类的，下部片子我可能会走得更极端，直接请来植物学家为一个地方的植物做科学分类。我做东北或者其他北方地区的话，我一定也会做这个工作，把当地的植被搞得非常清楚。
《WSJ.》：元素和背景的增加，会加重制作的难度，你是怎么平衡二者？你和片方定了 24 个月完成的军令状，但你作为一名创作者一定也是有技术追求的。这两者之间是怎么平衡的？
孙海鹏 ：为什么我敢答应片方《雄狮少年》在两年内做完？因为这部片子大特效没有那么多，没有那么多山崩地裂一类很夸张、奇幻的特效。省下来的工作量，我们可以把它用到环境塑造里去，其实电影环境里的树也是我们特效师做的。如果《雄狮少年》有很多大特效的话，我们可能就没有时间去那么仔细地做植物分类了，我们也可能需要用更长的时间去制作才行。
关于木棉花这个元素，在剧本还没出来的时候，我在查资料的过程中发现，木棉花在广州随处可见，还是广州的市花。我发现它还有个名字叫英雄花，英雄这两个字，跟《雄狮少年》想要表达主题多少是有一点点联系的。我就觉得这个花的寓意特别好，而且如果整个山坡上全是红色木棉的话，是特别浪漫的。尤其作为少男少女在山坡上相遇时的环境背景，是特别合适的。
所以我就想把木棉作为一个重要的元素放在片中，跟编剧和同事沟通之后，大家都觉得很好。所以木棉就从一开始在故事里一个不存在的元素，变成了一个特别重要的元素。男女主角在每次相遇的时候都会有木棉出现，最后狮头也变成了木棉花。
《WSJ.》：有说法认为中国动画存在人才缺口，产能有限，每年能生产出的作品其实只有那么多。产能的问题对于你们这样一个合作多年、工种完备的团队来说是不是不那么明显？
孙海鹏 ：一定是这样的，动画特别依赖工业流程，而工业流程更多地是依据艺术家搭建的，而且目前不同创作团队用的工业流程是不太一样的。
这就出现一个问题，如果临时去找人，很有可能凑不到一块儿去。大家惯用的流程不一样，导致新、老成员之间需要相当长的时间去磨合，甚至说要用一部片子的时间才有可能达到默契。
而我们的团队是一个稳定又彼此熟悉的团队，团队成员彼此间也有很强的信任。我很幸运在过去的十年里认识了这一帮人，我们的美术理念、技术理念是完全一致的；而且我们是希望能够一起去做好电影的。大家都想在动画电影的道路上坚持下去，大家都分享共同的理念。
《WSJ.》：《雄狮少年》在故事还未成形时，就定下来要做一个现实主义的动画。但是在此之前，获得关注的大部分国产动画电影都是改编自大的神话 IP，从《西游记》到《封神榜》。相对来讲，选择一个名著大 IP 改编是很保险的，而一个现实题材的故事可能只会对有共同经历的人产生共鸣。比如对《雄狮少年》最有可能产生共鸣，是生活在一、二线城市的人，可能对于更广大的观影群体是缺乏情感结构的。你觉得这是一个冒险吗？
孙海鹏 ：作为一个创作者来说，我觉得这个故事是有挑战的。因为它是从零开始的，之前的动画电影们都有个原来的故事，有个支点，创作者们做的事情是去填补它，之后去做一次升级。但《雄狮少年》是一个完全原创的故事，首先它没有支点，普通观众很难一下子就熟悉，甚至可能带给观众是一种陌生感，大家会试探、思考这个故事，因为第一眼看上去似乎没有什么意思。
但我们还是要去做尝试，因为毕竟咱们这些年来做了太多的神话题材了。
我为什么有信心去做这个事情，有两点原因，首先我觉得我舞狮足够帅，现实主义题材我还是能给弄出奇观来。再一个呢，就是当这个故事出来的时候，我跟苗总都特别有信心，信心又更足了，是因为这个故事里面的情感基础非常的好，浓厚又真挚。我们有奇观，同时也有一个很好的情感基础，那么我觉得这部电影其实是有机会去打动更多普通人的。
《WSJ.》：目前在中国动画电影还是有更强的市场化属性，还是大众消费意义上的商品，需要呈现出一些类型片的特征。但《雄狮少年》中的表达又是充沛的，呈现出一些作者性，可有的观众却评价说，片子太套路了，基本都猜得到情节走向，你怎么看待这一点？
孙海鹏 ：我觉得我可能不会是一个特别作者向的电影人。我丝毫不排斥商业片的套路，我觉得套路是挺好的。如果一部片子是很小众的题材，本来大家都很陌生，咱还不套路，我觉得可能更没有人看了。你自己弄出来的新套路，观众可能完全不在那个节奏上，也可能无法引起共鸣。所以这个片子从一开始我就跟编剧说，咱们就套路一下。
在整个情节走向上，《雄狮少年》就是一个经典的关于少年成长的类型片。少年成长片基本上都是这样，没有什么区别。几个主角的组合也是这样，一个胖子、一个游手好闲又滑头的角色、再加上一个比较调皮的丑角。
现在确实有一部分观众比较喜欢猜剧情，可能每个人观影习惯不一样，我太太她也是很喜欢猜剧情，每次猜到了她就会很得意。但我就完全不会猜，我会更关注创作者的表达，包括演员的演技，以及创作者们是怎么处理这段戏，有没有打动到我，我觉得这个是最重要的。
每个观众都有自己的看法，但我只能按照自己比较适应的方式去做。我就不太去管情节是不是让观众觉得意外了。我更看重的是，在一个套路，或者说结构里面的表达。但是我希望能在电影中尽可能地做自己的表达，让它呈现出一些不一样的东西。
《WSJ.》：很多人就从这片子中看到了不少老港片的影子，它们的灵感或者说是一些想法的来源？
孙海鹏 ：对，应该算是吧。其实我自己也没有办法去总结，老港片对我的影响到底有多少。因为这些年我是很少在看港片，更多地是少年时期或者是大学时期去看的。它们对我的影响一定是潜移默化的，我自己可能都说不清楚它们的影响在哪里。
做分镜的时候，我曾经有那么一刻考虑过这个问题。我在想要不要保留这些片段，因为有很多部分是分镜师去发挥的，不是我说特别要加一个什么，比如说很像成龙电影的那段追逐的戏份。我当时看到那个片段的时候，脑子里想过要不要去掉这些东西？它们可能太像老的港片，但是后来我想了一下就保留了。
我觉得没有必要去刻意避免它，一方面它本身就是我们观影习惯中的一部分，没有必要刻意地去除。大家一说到舞狮，难免会想到港片，包括《狮王争霸》什么的。我觉得不妨就保留这些感觉在里面，大家有点怀旧，有一点熟悉感，我觉得也是好的。当然这个也是仁者见仁，智者见智。
《WSJ.》：这种不一样主要体现在什么方面？
孙海鹏 ：我在尊重经典结构的同时，尝试在很多的桥段的处理上作出新的尝试。但是其中很多桥段中对细节的处理方法，我认为是不适合中国的。
我们看了太多好莱坞的动画电影，对片子里人物的表现、表演，以及桥段的处理方法都习以为常了。但是在《雄狮少年》里，我尝试做一些反思：真的是那样的吗？在讲一个中国故事的时候，角色的反应真的是那样的吗？我们似乎习惯了电影中的角色到某个时间点，好像必须得作出某种反应，我认为这个是很要命的一件事情。
我们美术风格可能跟它们不太一样，看上去更中国一点。比如说，总要有一个负责搞笑的角色，像《花木兰》里面的木须龙。
我是特别受不了这种，在我自己的作品里一定要去避免这个问题，但是人物的表演和细节的处理方法，我觉得一定得是中国的，一定得是符合我们中国人常识的。
比如《雄狮少年》中咸鱼店老板阿珍就是这样，在我们的处理中她其实挺漂亮的，又经营了一个咸鱼店。按照好莱坞动画电影的处理方法，她一定是特有女人味儿，但是又很粗鲁或者怎么样，有点像孙二娘的设定。
但是我们恰恰没有去这样处理，我会想在日常生活中的经常接触到老板娘是什么样子，一定不是脸谱化的。我们其实在片子里面做了大量这样的尝试，来反好莱坞的经典套路。
《WSJ.》：你觉得中国有可能会出现比较作者向的动画导演吗？
孙海鹏 ：我们中国动画绝对不缺作者导演，比如说《大世界》的导演刘健就拍得很不错。我认为作者向的导演是不用仰仗于工业化的完备才会出现的，甚至作者导演是反工业化的。
《WSJ.》：从《大圣归来》，《哪吒》《青蛇》《姜子牙》《大护法》中都出现了大量的直接表达和作者性，包括“我命由我不由天”和一些隐喻。《雄狮少年》也出现了诸如“心底的鼓声”等类似的表达。这种表达其实在中国的院线电影中，不管是真人电影还是动画电影，都是极其稀缺的。甚至在商业电影中的作者化表达这件事上，动画电影是要超过真人电影的。你怎么看待这种分野？
孙海鹏 ：意义完全是可以让观众自己去琢磨的，这样其实就很好。但想达到这样的情况，我觉得可能还得再过那么一、两代人，经过很多动画人的努力才能进化得到的。
作为一个商业片上来说，观众的观影习惯也会是一个问题。现在来看，观众可能不太会接受那样的动画。现在去做那样的尝试，可能有点太大胆了。实际上我想那么干，但是太大胆了一点，就是可能真的得一步步来，市场得到那个程度。创作者的心态上也得那个程度，能够静下心来去好好地、只是单纯地讲一个故事。
我觉得这个是一件挺难的事情。其实现在动画多少都有点用力过猛，多少都有点这个问题，大家都这样，我也得这样。现在很多国内的动画电影其实也受到了日本动画的一定程度影响，喊出来可能大家心里都更有底一点。因为日本电影很经典，咱们这样去做可能会保险一点。
《雄狮少年》其实开始没有那么多口号化的东西，但是后来总是担心如果观众不能接受怎么办，就没有走得那么远。电影制作者和观众实际上相互在猜，我们做一个商业动画，我是提倡要往前走的。但是你往前走多远？这是一个问题：走得太远，真的会很惨；但是如果走得不够远，落后于观众，观众也会不喜欢，这是一个难题。
在动画片中有表达，本身不是一个坏事情啊，但我其实更倾向于是没有表达的。
《WSJ.》：很多人对影片开始时的那段介绍舞狮的水墨风动画，有一些另外的想法，觉得是很违和的，也是不必要出现的。当时是怎么考虑要加上这一部分内容的？
孙海鹏 ：《雄狮少年》最早定档是在暑期档，因为疫情影响没有上，利用这次延期，我们做了一次比较大的调整。这个片头就是在那次调整时产生的，但我认为是很有必要的。
我觉得很有必要在开头的时候给大家打一个基础，告诉不熟悉雄狮的观众这是什么。如果说直接开始的话，其实对一些不熟悉舞狮文化的人来说，会代入感不够。比如抢金是什么？如果突然出现的话，观众是有点懵的。所以我是觉得就要加个片头，很有必要加个片头去解释一下。
而且这个片头一定是有力的，很像讲评书什么之前要拍一下，有个开场。《雄狮少年》的片头也是起到了这个作用，一下子就把气氛提起来了，加上力量很大的音乐，场子也热起来了，让观众能迅速地进入到这个故事里去。
《WSJ.》：下一部片子还是拍岭南吗？还是说会拍东北？现在有计划了吗？
孙海鹏 ：我们其实有有好几部片子都在计划，北方的会有，岭南的也会有。我觉得就看吧，看哪个故事能最先被打磨出来。我这个人是不太挑题材，只要它能打动我的情感，我觉得我就能拍，古装的也好，现代的也好，或者是科幻的也好，我觉得未来都有可能去拍。
但不管拍什么样的题材，我们的视觉风格都会是这样子，看起来都会很落地，你说它是写实也好，还是什么也好，是一个比较实的状态。
烟火气，我的理解就是人生活的痕迹。比如一个房子刚修起来的时候，就是没有烟火气的，但是人在里面生活了五年、十年就有了人生活过的痕迹，因为有很多地方被磨损了，很多地方被人为地改造了。这些变化都是在细节上的，房子的型还是没有变。
我们在未来的作品里可能也会去这样处理，我们可能会比较注重于时间以及人对环境的改造。有些片子会有塑料味儿，看上去都是新的，衣服也是新的，人也涂了厚厚的妆，环境里的房子，包括自然环境全是新的，有很多作品都采用了这样的一个方式。
我们可能就不太会去这样做，我们可能会花很多的心思，就像《雄狮少年》我们花了大量的时间去采集植被一样。科幻片我们可能也会这么去处理，即便是一个飞行器或者是飞船，我们也会加人类生活的痕迹在里面，不会让它看上去很新或者很塑料。
《WSJ.》：舞狮在这个片子里是不是解决阿娟自己困境的一个解决方案？
孙海鹏 ：我倒没这么想过。他就是一个不知道干嘛的小孩儿，可能学习成绩还可以，但也没有那么好，平常也受欺负，他很迷茫。他可能跟我小时候有点像，有时候想去干这个，有时候想去干那个，但是也没有坚持下来。他可能比我小时候更极端一点，更浑浑噩噩一点。他不知道明天要干什么，他的理想甚至说比我还要模糊，我认为他是这么一个状态。
之所以去舞狮，他的目的一开始也没有那么明确，就跟我当初学做动画一样。我也没有想到自己会做动画这么多年，我刚毕业的时候是学美术的，我单纯是因为找不到工作，就去学学软件。即便这样，我也没有打算去学动画，开始我是想做建筑效果图。学了以后慢慢自己就跑偏了，觉得动画挺好玩的，才走上了这条路。
这之后我也没打算要做导演，我就是做各种各样的技术活，模型、动画、渲染都做过。后来我自己想做个片子证明一下自己，我才开始自导自演去做短片。
阿娟的梦想是一步一步形成的，当然可能每个人有不同的看法，我也看到有一些朋友说一开始他们几个人的动力是不足的。但我觉得好像很多少年做一个事情，确实也是很模糊的。他就是找个借口，让自己觉得这一生是有意义的。
你看阿娟就是这样，他一开始被女孩儿点醒，有了一个触动，因为情窦初开。他其实也没有那么坚决，他真的想舞狮吗？也没有。只是因为这个女孩给他了一个狮头，有点心动了。甚至于说，阿娟舞狮是要去看看他爸妈，是不是也是个借口？我觉得也有可能，他很模糊，然后就组队了。
另外两个小朋友更是那样，潜意识里面就觉得自己要有点事儿干，觉得这样挺好。但是表面上他们找了个特别不合理的借口，要吃东西、要追女孩儿，有这么个借口就上路了。直到他们被揍了一顿，在天台上再去看舞狮的时候，他们可能才从心理上觉得自己要努力一把，这么一步一步地坚定下来，但是我觉得观众可以有自己的解读。
《WSJ.》：为什么那个女孩儿也叫阿娟，这么设计的考虑是什么？
孙海鹏 ：编剧跟我说起来这个想法的时候，我就觉得那个点子挺好玩的。这个男孩儿出场的时候身体很弱，又留了个西瓜头，还有一个不合适的名字，这个“本来属于”女孩的名字，让主角整个人显得会更滑稽一点。
后来编剧又提出了少女阿娟这个概念，我们也觉得挺好。他们俩同名，我觉得解读的空间很大。而且两个人同名的话，女阿娟给主角送狮头这个行为就变得很合理了，因为狮头后面写了个“娟”字。少女阿娟把狮头送给主角，他带上那个狮头，观众觉得还挺合理，在功能上也是有作用的。
《WSJ.》：在阿娟赢得比赛之后，他还是选择了去上海打工。你想过其他的结局吗？这种处理是不是有点过于残忍了？
孙海鹏 ：没什么。其实就是基于一个常识，如果阿娟是个拳击冠军，他可以做健身教练或者赢得了巨额奖金，有可能他就不去打工了。如果他是足球、篮球这样，有很高热度球类运动的冠军，他可以当明星。
但他是舞狮冠军，根据常识来判断，获得了一个舞狮比赛的冠军，能够去改变自己的轨迹吗？答案可能是否定的。对我自己来说，如果真的改变了，是不能说服我自己的。虽然有很多舞狮比赛，但它们的社会热度其实没有那么大。
其实最后的彩蛋没有任何犹豫，我就这么处理了。我早就想好了，阿娟会去上海打工。阿娟虽然还在延续自己的生活轨迹，似乎没有任何改变，我觉得他又改变了一些什么。这是一个很奇妙的感觉，看上去没改变，但实际上他这个人已经变了。他变得更坚定，已经是一个雄狮了。他可以更有信心去面对眼前的这一切，甚至对这些苦难可能都已经释然了。
咱们普通人不就是这样吗？生命中可能有过高光一刻，在那一刻是闪光的，但是你还是要生活，一定要努力地去继续你的轨迹，还是要脚踏实地去生活。
《WSJ.》：你在采风的时候有没有遇到真实的舞狮队？当地舞狮队真实的生活情况是怎么样的？大家可以靠舞狮来生活吗？
孙海鹏 ：当然可以。舞狮在广东保存得非常的好，但是要靠舞狮去挣很多钱，相较于其他行业来说，没有那么容易。大家还是凭着热爱，或者是继承传统的心态去做这个事情。
舞狮在广东是有市场的，因为民间一直保有这样的习惯，所以还是养活了大大小小的很多舞狮队。很多村里面其实也有这样的舞狮队，在舞狮队之外他们会去做小生意，到过年、过节的时候他们还是舞狮，当然也有专门做舞狮队。
但是我接触了大量舞狮队里面的年轻人，他们是学武术的，这些人很多时候是很迷茫的，有好多年轻人不知道自己要干什么，就跟阿娟一样。青春期的时候，这些孩子可能在社会上到处混，后来家人不放心，就让他们去舞狮队学习，让他们有一个目标。
学习了一段时间以后，有一部分人就继续留下来了，大部分人都没有再去舞狮了。他们可能就学两年，后来有点相当于毕业，就去打工去了，送快递或者到工地上去做事情，自己也可能做点小买卖什么的。因为这个市场其实不足以养活那么多舞狮队的，但是确实可以靠这个去生活，可能也没有那么好。
那些孩子其实很单纯，跟他们接触的时候会感动他们没有太多的计划，对自己的未来也没有什么规划。我们去请一些舞狮队的小朋友去做动作捕捉，他们就是一板一眼地完成这个任务，踏踏实实地就去把它弄了，是一群特别朴素的孩子。
《WSJ.》：在影史上，只有两部动画电影票房过了 10 亿，你当时会有这个预期吗？
孙海鹏 ：外界的评论多少对我的心态是有影响的，所以说这一路下来，其实会有点像坐过山车。一开始的时候，可能没有想那么多，我觉得能挣点钱或者是不赔就行。点映后业内给了不错的反应，当然心态会有一点起来，有一些期待。但是等到票房现在不太理想，对我的心态一定是会有影响，我自己一定是会有起伏的。
我现在也变得更敬畏市场了，不管怎么样，我还是多从自己身上找原因吧。我永远都是这样子，哪怕有一些意外，或者没有考虑到的事情发生，我多半也不太会去怨市场，或者其他外围的东西。
我可能还是从团队内部去思考问题，去琢磨下一步我们应该怎么样去做，怎么能做得更好一些呢？应该怎么样去思考问题呢？我永远都是会这样去思考问题，所以现在我可能更多地是在总结经验和复盘，然后去考虑下一步该怎么做。
《WSJ.》：前阵子豆瓣公布了年度的电影评分排名，《雄狮少年》得到了第一。但是似乎票房不太尽如人意，你怎么看待口碑和市场之间的张力？
孙海鹏 ：我觉得我只能说是敬畏市场吧，市场永远是变化的，是变化莫测的。我觉得有一个好的口碑，我其实挺开心的。我们当然期待有更好的票房，这样就能够更加触动大家，能影响到我的团队往这个方向去努力，能够证明我们选择的这条路是可以得到非常好的回报的。当然我们是抱着这样的希望，但是没办法，现在的情况我只能说是保持敬畏。