【作品说明】单色调抽象画大师郑相和个展《郑相和》

| 各主题主要参展作品简介 |

1. 抽象实验（1953–1968）  

1953年到1968年是郑相和考入大学以后主要在首尔开展活动的时期。上大学的时候，接受再现事物、人物或风景等的基础训练，主要画了静物画或人物素描等具象绘画，但1957年毕业以后，则开始制作非定型绘画（Informel）倾向的抽象绘画。郑相和在韩国现代美术家协会（1956–1961）和Actuel（1962–1964）等与当代年轻画家们一起埋头于非定型的表现主义抽象，关注如何将战后黑暗的社会氛围融入画幅中。

他以强烈的身体动作驾驭动感画面，抛掷颜料、碾碎颜料，从而表现了战后第一代青年画家的热情。从20世纪60年代中期开始出现了展示非定型绘画的后期要素的作品。1967年首次赴法国之后，直至1969年前往日本神户之前，在他的画面上，激情的能量逐渐消失，出现了以褐色或灰色为主的黑暗色调。

郑相和，<作品64-7>，1964，画布上油彩，162×130cm

国立现代美术馆珍藏

郑相和，<作品68-1-9>,1968画布上水晶甲, 115.5×72.3cm

个人珍藏。图片 画廊现代

2. 向单色调抽象转换（1969–1977）  

从1969年到1977年郑相和移居日本神户，在那里开展活动。去巴黎呆了一年多后去神户停留的八年时间是他的作品世界中最具有创新变化的时期。画家自己也说过在日本他的画作出现了很大变化，在这个时期他实验了各种技法，摆脱非定型绘画画风，转换为单色调绘画。

从1972年开始，画面上的几何图形的使用减少，白色范围逐渐扩大到整个画面，出现了满布绘画（all-over painting）作品。从1973年开始制作了多幅以白色为主的单色调绘画，之后，网格形结构成为了他作品的主要因素。1967年为了参加≪第九届圣保罗双年展≫而访问巴西时看到的工人们用四角形小石头铺满宽敞大道的情景对当时经历造型变化的画家产生了影响。1973年前后出现的网格（grid）技法以比画布更容易拿捏的纸张为基础进行了实验。主要像国立现代美术馆珍藏品（1974）一样，使用了在底板上加上一层纸，用铅笔刮掉的‘拓印法（frottage）’。此外，20世纪70年代整体上集中制作了木版画、拼贴（collage）、脱贴（décollage）作品。 

郑相和，<无题74-F6-B>，1974，画布上油彩，226×181.5cm

国立现代美术馆珍藏

3. 网格画的完成（1977-1992）  

1977年到1992年是结束日本神户生活，移居巴黎进行创作的时期。郑相和表示，在巴黎的生活更加紧张，对作品的责任感也很强烈，作为画家，他以更广阔的视野埋头于提高网格画的完成度。因为已经在神户实现了网格形单色调抽象，所以在巴黎则出现了网格画表面的结构和密度以及色彩上的丰富多彩的变化。

在这一时期，郑相和独有的独特作品制作方式“掏出和填补”技法提高了其完成度。摆脱将颜料直接涂在画布上的绘画传统，掏出高岭土后再用颜料填补空白处的画家的劳动密集型方式从20世纪60年代开始一直延续，而进入20世纪80年代后，以各种方式得到探索。

郑相和，<无题87-2-10>，1987，画布上水晶甲，162×130.3cm

三星美术馆LEEUM珍藏。图片 李万洪

4. 超越单色画（1993–至今）

1992年11月，郑相和结束20多年的海外生活，永久回到韩国。回国后，自他在京畿道骊州准备工作室的1996年起至今仍然在骊州进行创作。进入2010年以来，随着国内外对单色调绘画的关注度提高，他的个人展及集体展参与次数也变多，2011年在法国圣艾蒂安现代美术馆（Musee d’Art Moderne Saint-Etienne）举办了大规模个人展。

郑相和完全定居骊州以后，主要制作白色单色调绘画，极大地提高了作品的成熟美。郑相和将自己的创作定义为“过程”，他的作品中密集了艰难的劳动行为。需要短则数月长则一年时间的这种劳动密集型行为要求高度的精神忍耐和身体投入。至今为止他从未请过一名助手，他完全由他自己完成作品制作的全部过程。所以，每天都在生活中默默实践艺术，反复过程本身的郑相和独有的独特创作方式被评价为“对反复的日常生活的记录”。

郑相和，<2019-10-15>，2019，画布上水晶甲，259.1×193.9cm

画家珍藏。图片 李万洪

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