郑路：创作是尽量用正确的方式吃汉堡
郑路：
创作是尽量用正确的方式吃汉堡
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艺术家 郑路（摄影：董林）
郑路原本是想考油画系的。
但因为色弱的缘故，考学受到影响，最终他选择了一个“不需要受到色彩限制的专业”：雕塑系。
在鲁迅美术学院读本科时期，郑路接受的是传统写实雕塑的学习。但他渐渐发现，无论从技术还是兴趣层面，这都不是自己的能力所在。
这个纠结被他带到了中央美术学院读研时期。彼时一些同龄的艺术家们已经成为年轻艺术家中的佼佼者，而郑路还没有成型的创作。直到2004年，他获得了L.V.M.H.青年艺术家大赛奖学金，去巴黎国立美术学院交流三个月。“那三个月让我清醒地看到了，写实雕塑肯定不是我的出路。”
当时郑路的获奖作品，便是日后他使用文字进行创作的雏形：将文字（诗歌）用金属塑形后，以激光切割，再压缩成立体。如今，在郑路的“淋漓”“张弓无箭”“知己”等作品中，都有文字的元素。如果说这些作品是郑路在传统雕塑领域的继续探索；那么近些年的“局现”“奈何”“复行数十步”等结合了声光电、新媒体的展览，则是郑路在探寻雕塑更广义的边界。
《知己》 300×80×270cm 不锈钢 2014
《淋漓-十二阑》620×280×320cm 不锈钢 2021
我们能看到许多出自郑路之手令人叹为观止的大型雕塑，它们伫立在荒原、在山中、在海里、在城市间，与自然同频呼吸。郑路说，“生命”正是他近些年在创作中的关注点。今年致力于保护野生动物的印第安纳波利斯奖，其奖杯便是以郑路的作品《淋漓》为原型，并最终颁发给了摩纳哥亲王。
通过郑路的创作实践便不难发现，他就像一个“集合型”的艺术家，在个人创作与公共艺术项目两条线索中不断挖掘，越走越深入。
《淋漓-潺潺》 500×400×175cm 不锈钢 2016，贵州隆里
《淋漓》 1100×300×320cm 不锈钢 2021，艺文力大地之书展演项目，北京
印第安纳波利斯奖简·亚历山大全球野生动物大使奖，奖杯以郑路的《淋漓》为原型
公共艺术不是乡村的“拯救者”
Hi艺术（以下简写为Hi）：今年都在忙些什么？
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郑路（以下简写为郑）：今年我参与了上海的驻地项目，以及河北、贵州的乡建项目，驻地和乡建都是我之前没接触过的，对于我都是新鲜的。总的感觉是亲身体验到艺术介入的不易，无论是上海这样的大都市，还是河北、贵州这些地区的乡下村子，遇到的都是同样的问题：在地的民众和艺术介入者很难达成最大共识，相互理解的确不是一蹴而就的。艺术介入后的深层问题，才是值得注意的，我们出发点是建设性的、理想化的，而不是一厢情愿。自从“美丽乡村”概念提出以后，艺术和乡村的结合成为潮流，最近看了一本有关艺术介入乡村的书，上来就看到说艺术策划者是“乡土家园的拯救者”，这样碍眼的称谓让人汗颜。
郑路（左二）在贵州考察期间，和侗族大歌传承人胡官美（右二）、策展人Alei（右一）
Hi：那应该是什么姿态？
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郑：这次我去贵州考察，看到了很多类似于侗族大歌这样原生态的文化，很是感动，地理交通不便造就了原生的东西不被打扰，但是互联网的无界又打通了一切。作为艺术介入乡村，我觉得有时候不去打破、不去触碰这些原生态的东西是最好的。我们应该是以谦卑的姿态去学习，去融合，逐渐从“应需之举”转变为“应时之变”，把艺术植入乡村达成最终互相理解的状态。
Hi：以你刚刚在黄山落地的作品《译心岛》为例，这件作品和当地/自然的关系是什么？
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郑：这件作品延续了太阳能灯的材料，作品形态是半颗桃心，这样依靠水面镜像呈现出完整的桃心。与《差翅亚目之目》不同的是，这个“心”是可以走进的，观众在“心”里面是可以通过感应将自己的心跳投射在内部空间中。作品依水而筑，借助自然环境的映衬，首先是有一个湖水的存在，这样就有了上下虚实图形的显现，双方都有不可替代性。水是极好的素材，中国古人经常以水为镜，所以就有“人莫鉴于流水，而鉴于止水”的哲学思考。水有平静与波澜，光影变化也是朝暮分明，当然，在夜晚这个主体也是个发光体，所以，在水的映衬下，“心”的光影是实时在变化的。
《译心岛》 1080×900×550cm 钢结构 太阳能LED灯 2021
Hi：你做过很多公共艺术项目。对你而言，这和个人创作最大的不同是什么？
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郑：公共性的作品消耗的精力其实很大的。从开始设计到最后施工、完整制作，会涉及到很多领域，是要经历很多以前不曾经历的、考虑以前不曾考虑的。公共艺术是极其现实的，天马行空最终也是要落于纸上的。
Hi：据悉也有没有实现的公共艺术？
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郑：当然有，但是公共艺术确实受到很多限制，比如要协调各方关系、客观条件能否顺利落实等等。但我也没有特别纠结，如果确实有好的想法，以后通过其他途径找机会实现吧。
作品是有生命力的，
也会经历从生到死
Hi：你从“不得已”进了雕塑系，到如今以“雕塑艺术家”的身份被人熟知，你对雕塑的感情有哪些变化？这一媒介对你的吸引力在哪？
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郑：首先是媒介的偶然性，就如创作《奈何》我获得两个材料的提示，糖和桥——2017年的一次运输事故，砸进我作品包装箱的280KG白糖，以及2019年在银川“偶遇”到的丧葬道具“奈何桥”。源于偶然、结束于预期之外，并非是线性或具有明确因果的呈现，但它意外地回应了我在这个阶段对生命最终归于无可奈何的认知。其次是维度，就如两人在狭窄的巷子相遇，站在两人角度相遇是偶然，站在巷子的角度相遇是必然。我热衷于模型，沉迷微缩世界。通过维度的转变，我们无需循序渐进的一点一点观察，而是一眼就能看遍事物的全局。
Hi：你曾说过“传统雕塑已经没有办法解决我创作里的困惑了”，那么现阶段你还有哪些困惑？以及关注的问题是什么？
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郑：最近几年我更关注跟生命有关的议题。去年发生了一件事，《差翅亚目之目》的第二站在阿那亚的海中展出，经历了几个月后，海水将整个球体拍扁了。我觉得这个过程挺有意思的，作品也是有生命力的，也会经历从生到死。
《差翅亚目之目》在敦煌的1.0版本
Hi：作品的“生命力”具备共性吗？比如是材料的特殊性赋予的吗？
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郑：那些永久性公共项目是追求“生命力”的，要考虑结构、腐蚀等等因素，以增加自然寿命。说到“生命力”我想起了施佩尔用“废墟论”来追求永恒性。施佩尔是纳粹德国的建筑师，他面对现代建筑的风化锈损，受罗马帝国遗留下来的宏伟建筑物能振奋人心为启发，提出废墟价值论。他的建筑效果图的并不是追求辉煌壮观的效果，而是千秋万代后的模样，是建筑毁灭后的残垣断壁。他的这个方法在当时大获成功，一度屡试不爽。当然，历史并不糊涂，不用千秋万代，只一代，施佩尔的建筑已然灰飞烟灭。有个词叫“铸造辉煌”，看起来高端大气，但是在物理上，铸造是会收缩的，可以说是越铸越小。我们所处的现实都是假象，只不过永远不消退而已。这也是在面对“奈何”的两个小时的生命，反而觉得鲜活，生命、时间以及虚无，夹杂着些无奈的情绪，无法名状的忧伤，就如这个装置本身，留给我的是那真正的意外的结果：那桥体本身承载的虚空的糖絮，两年的偶遇，两个小时的消逝，留下的是刺猬一样的棘手的必然。
一种“既是也是”的状态
Hi：你近几年的展览如2018年沪申的“局现”、2019年七木空间的“奈何”、2020年SPURS画廊的“复行数十步”，感觉你关注的问题以及对材料的把握越来越开放，自由，它们之间都是如何进行的？存在哪些上下文关系？
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郑：“局现”是维度，“奈何”是非线性，“复行数十步”是现在这个时间下的反应。一切的已知其实又是未知，这种活在真实的虚幻中的感觉自然想到“桃花源记”，我的初衷就是制造一个观者行于作品之上，却看不到作品的展览；观者以为看到作品，却又无法靠近的展览。所以，这行走数十步后的断崖，断崖里面触手可及的虚幻景观，由此形成。我们都在经历疫情时代，现在就像油水混合物，虽然混沌，但无论如何震荡，都会分层、都会分离，在这个界面中是要明确清晰一些东西的，会是渐渐水落石出的，必然会豁然开朗的。时间是线性的，但我在寻觅一种超验的创作方法，类似于非线性的思维方式，这个是有悖于线性时间的底层规律的，线性思维这个基础束缚着想象力，我无法破坏线性时间，但是可以阻断线性思维的模式，在创作实践上不断“以身试法”。
2019年SPURS画廊“郑路：复行数十步”展览现场
Hi：据悉今年年底你会同时参与两个公共性质的展览，参展的作品是对之前作品的延展么？能否提前剧透一下？
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郑：年底会在成都的HARMAY做个展。这次会展出一些新作，依据HARMAY属性，将作品成为人的通道。还有一个深圳的公共艺术展览，会展出一件新的装置《喜欢你》，是太阳能灯装置，与之前不同的是，这个作品从语言切入，就是一个谐音梗。
《未知的圆周》 现场装置 尺寸可变 不锈钢、漆 2015，台北当代艺术馆
《潮骚》 384×200×220cm 不锈钢、漆 2015，北京侨福芳草地当代美术馆
Hi：现在的创作状态是怎样的？近期有哪些目标吗？
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郑：之前的状态有点像以线性的方式吃汉堡，一层一层吃，先吃面包再吃肉饼，以此类推，我们永远不知道下面的一层是什么，只有吃完整个汉堡，才知道这是一个什么汉堡。现在的状态就像我随手一枪打在墙上，然后以弹坑为中心画一个靶，这是必然打中靶心还是偶然？这是一种“既是也是”的状态。说到目标，就是尽量用正确的方式吃汉堡吧。
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