看起来在瞎拍的「快照」，是不是「皇帝的新衣」？
快照美学
「快照风格」在摄影爱好者们的心目中呈现出两极分化。一种将其视为摄影创作自由精神的代表，乐此不疲；而另一种则将其视为自我感动、边缘、小众和不务正业的代表。尽管有罗伯特·弗兰克、威廉·埃格尔斯顿、史蒂芬·肖尔等前辈的铺路，但快照风格那种「万物皆可拍」的气质，依然被很多人认为是「瞎拍」，是披着皇帝的新衣罢了。我们应该如何看待这种观点？它的到底有没有「美学价值」？快照对于普通创作者来说有什么意义？我们今天就来聊一聊。可以先反过来看：看不惯「快照风格」的人，他们在反对什么？通常来说，他们在反对那么就必须先定义什么是「瞎拍」。我找到一条典型的评价：可以瞥见，TA有一套与摄影的技术精确性有很大关系的摄影标准。不难想象，很多朋友也会认为这是一套理所当然的标准。从技术上来说，「瞎拍」就是对焦不讲究、曝光不讲究、用光不精致、构图不精彩、后期滤镜感重。如果展开构图来说，「瞎拍」还包括但不限于，构思不精彩，几何性差，画面不均衡……从内容上来说，「瞎拍」就是没有抓住精彩瞬间，没有反映社会问题，没有体现自然之美，过于粗糙，没有体现深刻情感，不知所云……快照反对者的理论依据，其实就是对什么是「一张好照片」的普遍认识，对于刚接触摄影的人来说，这些标准似乎一针见血，无懈可击。在这些标准下，快照风格就像是不学无术的小混混，什么都不太讲究。但，你有没想过，这些标准真的无懈可击吗？不符合这些标准的作品，就真的「错了」吗？也许，这只是对好照片的说这些好照片标准只是「刻板印象」，并非主观臆断。要理性讨论这个问题，我们不妨从摄影美学史说起。「精致的构图用光」和「精彩的瞬间」这些常见摄影标准的建立，其实可以追溯到上世纪前半叶f/64小组为代表的精致美学，和以「决定性瞬间」为标志的瞬间美学。然和在二战之后，就有一批摄影师在反思这种「老标准」了，客观上老标准限制了很多表达的可能性。其中最有代表性的就是罗伯特·弗兰克、威廉·克莱因等人。他们主要主张三个方面：1-摄影应该「个人化」，尊重摄影师更让人体验，并不是脑补公众所需，代替他们观看；2-内容应该「日常化」，质疑印象高大上（英雄主义和浪漫主义），质疑当时意识形态化的人文主义价值观；3-影像应该「粗糙多义化」，用粗糙暴戾、开放多义的图像，对抗之前精致高雅和对构图的精确控制，图像不应该意义指向明确。不知你是否发现，罗伯特·弗兰克们所质疑的「老标准」，其实和前面提及的好照片标准的「刻板印象」有很多相似之处。罗伯特·弗兰克用《美国人》实践了自己的的主张，将中庸、冷漠、疏离、孤独、无聊等「普通场景」坦诚地展现，「精致的构图用光」和「精彩的瞬间」不再成为一张好照片的前提。挣脱老标准，寻找新的摄影语言，也是摄影美学不断发展的动力。很多人认为罗伯特·弗兰克是快照美学的奠基人，他的《美国人》也是摄影「古典时期」与「现当代」时期的在罗伯特·弗兰克的理论突破和精神鼓舞下，「快照美学」逐渐浮出水面：加里·维诺格兰德整天游走在纽约机头，用极其快的速度进行「条件反射式」街头摄影，将「快照美学」推到新高度。威廉·埃格尔斯顿将「民主化视角」和「彩色摄影」进行到底，进行了看似业余随性，实际上是则是拓展摄影艺术外延的实践。1976年，时任纽约现代艺术博物馆MoMA摄影部负责人的约翰·萨考斯基为威廉·埃格尔斯顿策划的展览，可以说是一次将快照和彩色摄影在艺术界「合法化」的重要事件。1976年威廉·埃格尔斯顿个人摄影展存档资料©纽约现代艺术博物馆MoMA
客观上推动了「快照美学」发展的重要人物还有威廉·克莱因、李·弗里德兰德、史蒂芬·肖尔等人，篇幅所限不再赘述。但凡对摄影史略作了解的人，也不难从中提取观点：看起来随意的「快照美学」，并非摄影师由于学艺不精而回避高超技术的「躺平策略」。实际上，快照需要更消耗的拍摄节奏、产片量和拍摄速度，并不适合躺平，如果将暗房和输出考虑进去的话，也并不显低技（如威廉·埃尔斯顿的dye-transfer）。快照美学「合法化」历程，更像是摄影先驱的将业余感、大众化纳入到艺术观看体系，希望与其他「一本正经」摄影相提并论的真正的「快照美学」，是一种建立在对「老标准」的理解、思考、批判后逐步发展而成的，是对「老标准」的弊端和问题的解决，是一种有益的进步和探索，也是艺术接纳大众化的结果，并非是劣质图像找借口的说辞。快照风格面临的另一个问题是，它看起来「业余感」浓了。普通人随便拍拍当然可以，但我们不是在聊艺术吗？显然它们依然称不上艺术啊！称不上艺术却要故弄玄虚，那就有问题！先来说艺术史是如何对待「业余感」的。笔者认为它和现当代艺术「大众化」的倾向不无联系。首先我们要知道，提起「艺术」这个词的时候，很多人想到的作品一定是精致的、高雅的、画意的、永恒式抽象的、深刻宏大的。
其实，如果你用上面的描述来形容古典艺术的价值取向也大致没错，然而到了现当代，艺术本就有一种新的趋势——所以我们可以看到，在上世纪50年代之后，和「快照美学」一同发展的，还有波普艺术、立体主义、装置艺术等思潮。例如安迪·沃霍尔既是波普艺术的领军人物，也是一个宝丽来相机（SX-70、20x24）几乎不离手的艺术家。它裹挟着商业、日常、业余感、大众化，重新定义了艺术的范畴。所以，我们也许要审慎对待一个东西「什么是艺术」以及「凭什么可以是艺术」的问题。故，这种快照所展示的「业余感」，可是视为当代艺术「大众化」倾向的一部分，在几十年前已经被艺术接纳，并内化成自己的一部分。普通创作者也有尝试「快照美学」的权利。快照风格源自大众又同时属于艺术，谈不上谁标榜了谁。反倒是一提起「艺术」就只固守于典型的「刻板式的专业感」，对立起「大众和艺术」「专业和业余」「高级与低级」，才是一种狭隘。我们来换个角度理解快照——美学原理。这里存在第三个刻板印象，即：美就是优美。其实这只是西方早期对美认识的一种形态，随着社会的发展和美学理论的进步，广义的美早就不特指优美，而包括了与其并举的崇高，以及悲剧、喜剧、丑、荒诞等。这里并非要给普通人强推理论，这个理论并深奥。例如现在很多人热衷的风光大片，城市大片，其实审美基础更多是「崇高」而非「优美」成分。那么，顺着这个思路拓展，「快照美学」所展现的一些特征，例如不平衡、不横平竖直、非深思熟虑、混乱的、不完美，完全可以被荒诞、喜剧、丑、悲剧等美的其他形态「解释」，它们也正是快照的趣味和风格之所在。并不需要再用「优美」证明自己的价值。一个不太恰当的比喻：你如果你喜欢一个小孩活泼调皮，那么你不必先证明他是个安静的好孩子，所以「调皮」才值得喜欢。你喜欢的可以是调皮本身。安静也并非好孩子的充要条件。而威廉·艾格斯顿等前辈说的“不拍那些‘装模作样，意义重大’的影像”的观点，也是让你不要习惯老带着美颜滤镜和玻璃心看世界，接受它的不完美，并平等对待它们，这也是「美」的一部分。不服气的群众，依然会认为这是一个复杂而没有说服力「学术骗局」，所以会有人说：莉塞特·莫德尔
皇帝的旧衣服是「精致的构图用光」和「精彩的瞬间」等老标准，而这种老标准实际上很难成为金科玉律，在实践中逐渐被发现了很多局限和问题。摄影史的发展中，「快照美学」成了反思老标准局限，补充摄影表达边界的产物：罗伯特·弗兰克等人已经做过对「老标准」局限的反思，逐步促成了「快照美学」在摄影艺术界的合法性接纳「大众化」并将其内化，本来就是现当代艺术开疆拓土，拓展边界的一部分外表的「随性」，只是不符合「优美」而已，可以被广义上的其他美所解释-「精致的构图用光」和「精彩的瞬间」才是好照片的标准；-「艺术」一定是精致的、高雅的、画意的、永恒式抽象的、深刻宏大的；为了防止过度二元对立，再强调一点：「快照美学」虽然体现了艺术的开放与多义，但笔者也不认可无脑随手一拍也就值得称颂，「万物皆可拍」并非「万物皆瞎拍」。那么它们区别在哪？我们如何辨别？摄影爱好者如何能理解快照之美但又不彻底抛弃标准而陷入虚无？
发布于 四川
